在世界艺术史上，中西绘画艺术各自有着悠久的历史和独特的文化底蕴。从古至今，它们不断演化，不断创新，但也保持了各自鲜明的特色。这篇文章将通过举例说明，探讨中西绘画艺术之间差异，并分析这些差异产生的心理、社会和文化原因。
首先，我们需要了解两种风格在不同的历史时期是如何形成和发展起来的。在中国，水墨画作为一种主要形式，从唐代就已经开始流行，而在欧洲，油画则起源于文艺复兴时期。这些早期作品展现了每种技术独有的特点，比如中国水墨画强调笔触简洁、意境深远，而欧洲油画注重色彩丰富、光影层次。
随着时间推移，这些传统技法并没有固化，而是在不断地发生变化。例如，在中国，宋代以后出现了“青绿山水”这一新的题材类型，其特点是对色彩运用更加自由和准确，同时保留了传统笔触上的精细之处。而在欧洲，则有著名的大师如达·芬奇，他不仅革新了油漆材料，还发挥出了前所未有的创造力，使得他的作品既具有极高的人文关怀，也体现出科学研究精神。
此外，每个时代都有其政治经济环境影响到美术风格的演变。比如，在封建社会下，中国水墨画往往表现为内心世界与自然界之间的情感交流；而工业革命后的现代社会，让欧洲油彩更倾向于描绘日常生活中的细节以及科技进步带来的变化。此外，由于宗教信仰对于中世纪美术领域所扮演的地位巨大，因此许多神话主题成了油彩艺术的一个重要组成部分。
除了技巧和内容上的区别，还有一个值得注意的是视觉语言与心理表达方面的问题。在中国，一幅好的水墨图可以让人感受到作者的情感深度，是一种非常直接且简洁的手段。而在西方，却更多地依赖于色彩构图来引导观者的情感走向，这也是为什么我们经常看到西方作品中的广泛使用颜料混合技术，以达到某种特别效果或氛围营造。
然而，即便如此，大多数时候人们仍然能够跨越文化障碍理解另一种文化中的美学标准。这可能是因为人类共享的一些基本审美原则，如平衡、比例等，以及跨越千年不变的心灵需求——寻求安慰、希望以及理解自己存在的小小片段。在这方面，可以说无论是东方还是西方，无论是过去还是现在，都有人类共同性的追求，那就是通过艺术去表达自己最真实的情感状态。
最后，我们不能忽略的是现代性对于两者都产生了一定的影响。随着全球化浪潮蔓延，不同地域间各种流派相互融合，有些甚至形成新的结合体。但即使这样，对于那些想要回到本土根基去寻找自己的身份认同的人来说，他们仍然会回望那一系列以民族为核心价值观念塑造出来的事物——正是在这样的背景下，我们才能真正欣赏到那些经历过长河年代洗礼后依然坚守本土风貌的事物，其中包括我们的中西绘作方式它们呈现出的独具魅力的面貌。而这种魅力正由它们独立而又相辅相成的地方展开，所以我们必须要尊重他们各自不同的道路，以此来维护所有人的创作自由及鉴赏权利，因为只有这样，每个地方才会继续拥有它自己的故事与声音，最终成为这个世界上不可替代的一部分。
