在探讨如何理解当代艺术中的概念性和抽象性的问题之前，我们首先需要明确什么是当代艺术作品。简单来说，现代或当代艺术指的是从19世纪末到20世纪中叶以来的现代主义时期开始，直至今天的各种形式和风格，它不仅包括传统的绘画、雕塑、版画等实物作品，还包含了摄影、电影、录像、装置艺术以及新媒体等多种媒介。

在这一背景下，当代艺术作品往往具有极高的创意自由度，其表现形式多样化，不再局限于传统意义上的美学审美，而更多地强调作品背后的思想内容与观众之间的情感交流。

概念性与抽象性的区别

在探讨当代艺术中的概念性和抽象性的问题时，我们首先要了解这两个术语所代表的含义。概念性通常指的是一种基于理念或想法而非直接描绘自然界或者现实世界的视觉表达方式。而抽象则意味着脱离具体事物直接描绘其形态特征，以色彩组合或者几何图形来构建视觉效果。

简而言之，概念性的作品更侧重于对某个主题或思想的深入探索，而不一定关注其外观；而抽象性的作品则更多地聚焦于色彩、线条和空间关系上，但并不直接反映现实世界的事物。

两者并不是互相排斥的情况，有时候一个工作可能既具备较强的概念内涵，也会运用一些装饰元素使得整体呈现出丰富且生动的情感层次。因此，在解读一幅画作时，要考虑它是否有清晰可见的事物描述，如果没有，那么它是否通过颜色的搭配让人产生特定的情感反应？如果有，这些元素又是如何服务于整个工作本身所表达出的主旨？

例如，对于艾希尔·霍普金斯（Etel Adnan）这样的作家，她以充满活力的颜色块构成为基础，将她的诗歌经验转化为视觉语言。她虽然并未刻意描绘任何具体的事物，但她的色彩组合却能够激发人们对于宇宙广阔无垠及生命力的思考。在这种情况下，可以说她的作品既具有强烈的人文关怀，又展现出了高度的心灵追求，这正体现了她作为一位作家的独特视角，以及她想要传递给我们的信息。

另一方面，一些如马克·罗斯科（Mark Rothko）的画作，他采用大面积纯色的平面布置，以此去触发观者的内心情感反应。他认为，“我的工作不是为了展示我自己的技巧，而是为了引起一种神秘不可名状的情感。”这里我们可以看出，即便是一些最基本最简单的几何形状也能成为沟通情感的手段，并非仅仅是一个美学的问题，更接近哲学上的思考境界。

总结

因此，当我们试图理解当代艺术中的概念性和抽象性的关键点，就必须认识到它们之间存在着紧密联系，同时也是相互补充的一种创造手段。这两者都涉及到一种超越日常生活直观认知能力的手法，使得观众需要通过自身的心智活动去推敲其背后潜藏的问题意识，从而达到更深层次的情感共鸣与心理交流。此外，与之相关联但又独立存在的一些其他因素，如社会文化背景、新技术应用以及个人经历等，都将不断影响这些不同类型的创作者及其产出的“产品”。

最后，无论是在理论研究还是实际欣赏过程中，正确理解并欣赏这些复杂多变的地球上的“数字”——即我们称之为“文化”的那部分——对于增进人际间相互理解，为提升人类文明水平提供新的途径至关重要。